Musicien engagé, Johnny Clegg incarnait avec ses chansons, mélange inédit de rythmes zoulou et de pop occidentale, la résistance à l'apartheid puis la réconciliation.

Le "Zoulou blanc" sud-africain s'est éteint mardi à l'âge de 66 ans.

Longtemps victime de la censure en Afrique du Sud, il a connu le succès à l'étranger avant d'accéder au statut de star dans son pays.

Pendant les pires heures du régime raciste, ses chansons ont été interdites. Pour contourner la censure, il a été contraint de se produire - avec son groupe Juluka, formé avec le musicien zoulou Sipho Mchunu - dans les universités, les églises, les foyers de migrants et chez des particuliers.

"Nous devions faire preuve de mille et une astuces pour contourner la myriade de lois qui empêchaient tout rapprochement interracial", racontait-il à l'AFP en 2017.

Malgré tout, l'intraitable police de l'apartheid a interdit certains de ses concerts et le chanteur a été à plusieurs reprises arrêté, accusé de violer les lois sur la ségrégation raciale.

Le gouvernement raciste blanc ne pouvait pas non plus tolérer qu'un des siens puise son inspiration dans l'Histoire et la culture zoulou.

A l'étranger pourtant, et notamment en France, Johnny Clegg a rapidement trouvé un public.

"Les gens étaient très intrigués par notre musique", expliquait le chanteur et danseur, adepte de concerts très physiques.

Une musique révolutionnaire où les rythmes zoulou endiablés cohabitent avec guitare, clavier électrique et accordéon.

'Choc'

En 1982, la sortie de son album "Scatterlings of Africa" le propulse en tête des hit-parades en Grande-Bretagne et en France.

Cinq ans plus tard, il s'affirme comme un artiste "politique" avec le titre "Asimbonanga" ("Nous ne l'avons pas vu", en langue zoulou), tube planétaire dédié à Nelson Mandela, le héros de la lutte anti-apartheid alors emprisonné à Robben Island (Afrique du Sud).

La seule évocation du chef du Congrès national africain (ANC) est alors strictement interdite. Le régime de Pretoria bannit le titre.

Quelques années après la fin de l'apartheid, l'auteur et le héros de cette chanson, désormais libre, s'étaient retrouvés sur scène à Francfort (Allemagne) pour un concert aussi magique qu'inattendu.

Alors que Johnny Clegg chantait "Asimbonanga", le public s'était levé comme un seul homme.

"J'ai aperçu du coin de l'oeil quelqu'un derrière moi qui était en train de monter sur la scène, en dansant (...). C'était Mandela ! Ça a été un choc. Je ne savais même pas qu'il était là", avait raconté Johnny Clegg à l'hebdomadaire français Le Nouvel Observateur.

A la fin de la chanson, Mandela avait lancé de sa voix posée, au micro : "C'est la musique et la danse qui me mettent en paix avec le monde."

'Né deux fois'

Né en 1953 au Royaume-Uni d'un père britannique et d'une mère zimbabwéenne, chanteuse de jazz de cabaret, Johnny Clegg débarque à l'âge de 7 ans dans une Afrique du Sud où la minorité blanche règne en maître absolue sur la majorité noire.

Initié aux cultures locales par son beau-père journaliste, Johnny Clegg assure que son refus de l'apartheid n'a rien de politique.

"Je n'étais pas motivé politiquement mais culturellement. J'aime la musique et la danse", expliquait-il simplement.

Les yeux ouverts dans un pays borgne, il se glisse dès 15 ans dans les foyers de travailleurs noirs, au mépris des interdits. Là, il découvre les danses et les mélodies zoulou et s'invite secrètement pour danser avec les troupes traditionnelles.

Quand l'apartheid tombe définitivement en 1994, "c'est comme si nous étions tous nés une seconde fois", confiera-t-il.

Quelques années plus tard, l'enthousiasme cédera la place aux doutes. "La lutte était plus simple autrefois. On vivait ici dans un tunnel, coupés du reste du monde, on se définissait +contre+, menant une bataille qui masquait toutes les autres."

"Aujourd'hui (...) on est aux prises avec tout une série d'enjeux et de conflits liés à la pauvreté, la construction d'une nation, le sida, la mondialisation", ajoutait le musicien.

Après une nouvelle rémission d'un cancer du pancréas diagnostiqué en 2015, il se lance deux ans plus tard dans une tournée mondiale d'adieu dont il réussira à honorer toutes les dates, les dernières en 2018.

"J'ai eu une carrière gratifiante à bien des égards (...) en réussissant à rassembler des gens grâce à des chansons, surtout à un moment où cela semblait complètement impossible", se félicitait le musicien qui a vendu plus de 5 millions d'albums.



Disparition du fondateur d'Allan Gray, un des plus gros gestionnaires d'actifs du continent africain

(Agence Ecofin) - Allan Gray (photo), le milliardaire fondateur du gestionnaire d'actifs basé au Cap et qui porte son nom, est décédé dimanche à l'âge de 81 ans, a-t-on appris de sources concordantes confirmées par l'entreprise. 

Diplômé de la Harvard Business School, il avait fondé Allan Gray Investment Counsel au Cap en 1973 et a exercé les fonctions de directeur général pendant 15 ans avant de créer Orbis en 1989. 

Allan Gray Investment Counsel gère aujourd'hui des actifs d'une valeur globale de 544 milliards de rands (37,3 milliards de dollars), y compris des fonds communs de placement d’environ 290 milliards de rands, peut-on lire sur un de ses prospectus. Orbis Group, l'autre business créé par Allan Gray et qui est basé aux Bermudes, gère de son côté, des actifs d'une valeur de 36 milliards $, selon son site internet.

Ses proches et le monde de l'investissement en Afrique du Sud ont rendu hommage à l'œuvre de l'homme, qui dans les derniers jours de sa vie, s'occupait davantage de ses activités philanthropiques.

Par ailleurs, sur un marché des produits financiers en plein tumulte en Afrique, le fonds panafricain hors Afrique du Sud d'Allan Gray a été le plus rentable du mois de septembre 2019, avec un rendement de 6,5%. Une performance remarquable, lorsqu'on sait que depuis 2018, les deux marchés que sont le Nigeria et le Zimbabwe qui concentrent l'essentiel des investissements de ce fonds, subissent une grosse volatilité.

Au Zimbabwe, les choix du gouvernement font grimper l'inflation, tandis qu'au Nigeria, c'est la forte régulation des banques comptant pour 26% d’Allan Gray Pan African Fund, qui pose problème.

Idriss Linge

 
 


Le compositeur d’« Aline » ou encore des « Mots Bleus », Daniel Bevilacqua de son vrai nom, 74 ans, avait été hospitalisé et admis en réanimation le 26 mars dans un hôpital parisien en raison d’une « insuffisance respiratoire ». L’artiste avait ensuite été transféré en Bretagne, à Brest.

 

Christophe est décédé ce jeudi 16 avril dans la soirée, aux côtés de sa fille Lucie, ont annoncé nos confrères de L’Obs, avant que la famille ne confirme la triste nouvelle. « Christophe est parti. Malgré le dévouement sans faille des équipes soignantes, ses forces l’ont abandonné », écrivent dans un communiqué son épouse et sa fille. « Aujourd’hui, les mots se lézardent… et tous les longs discours sont bel et bien futiles », poursuivent-elles dans ce court texte. 

Mme Bevilacqua n’a jamais fait mention du Covid-19 dans ses communiqués et, interrogée au téléphone par l’AFP, a tenu à insister sur « l’emphysème ». Le Parisien avait affirmé au moment de l’hospitalisation de Christophe que celui-ci avait été testé positif au coronavirus, ce que l’agent du chanteur n’avait pas confirmé.

 

 

« On ne peut pas lui dire au revoir à cause de ce putain de virus »

Christophe avait connu le succès dès « Aline », tube instantané en 1965. Il n’avait cessé ensuite de promener sa silhouette de dandy décalé dans la chanson française.

 

 

 

L’annonce de sa mort a bouleversé le monde du spectacle. Jean-Michel Jarre, qui avait écrit les textes de deux de ses albums majeurs – et leurs morceaux phares – « Les Paradis Perdus », 1973 et « Les Mots bleus », 1974, a déclaré à l’AFP qu’il avait « perdu un membre » de sa « tribu ». « C’était plus qu’un chanteur, c’était un couturier de la chanson », développe Jean-Michel Jarre, pour qui les circonstances de ce deuil sont très douloureuses : « On ne peut pas lui dire au revoir à cause de ce putain de virus ».

 

« Avec la disparition de Christophe, la chanson française perd une part de son âme, mais le bleu doux-amer de ses chansons est indélébile », a twitté le ministre de la Culture, Franck Riester.



Le 18 mars, un communiqué publié sur sa page Facebook annonçait son hospitalisation, à la suite d’une infection par le coronavirus.

Ses fans l’appelaient « Papa Manu », « Le Doyen » ou simplement « Manu ». Le 18 mars, un communiqué publié sur sa page Facebook annonçait son hospitalisation, à la suite d’une infection par le coronavirus. Les mots se voulaient rassurants (« Il se repose et récupère dans la sérénité »). Manu Dibango, saxophoniste et vétéran des musiciens africains en France, est mort, mardi 24 mars, a annoncé sa famille. Il était âgé de 86 ans.

« Chers parents, chers amis, chers fans,

Une voix s’élève au lointain…

C’est avec une profonde tristesse que nous vous annonçons la disparition de Manu Dibango, notre Papy Groove, survenue le 24 mars 2020 à l’âge de 86 ans, des suites du Covid-19.

Les obsèques auront lieu dans la stricte intimité familiale, et un hommage lui sera rendu ultérieurement dès que possible. »

Il laisse derrière lui soixante années de carrière et d’engagements, sans pause ni éclipse, enchaînant plusieurs vies, les oreilles toujours en alerte, à l’écoute du son des époques qu’il traversait.

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Saxophoniste au son charnu et rond, identifiable dès les premières mesures, Manu Dibango savait aussi être pianiste, vibraphoniste, joueur de marimba, pouvait jouer de la mandoline et, récemment, du balafon. Il était également chanteur, arrangeur et chef d’orchestre. Le compositeur de Soul Makossa (1972), le titre avec lequel il avait acquis une notoriété mondiale, résumait tout cela en une formule, lancée dans un de ces puissants éclats de rire qu’il semait à la volée : « Je me contente de faire de la musique. »

 

Son histoire commence sous le nom d’Emmanuel Dibango, né d’une mère couturière et d’un père fonctionnaire, le 12 décembre 1933, à Douala, le port où débarquèrent les premiers Européens au Cameroun. L’organiste du temple protestant où sa mère est chef de chœur lui met la musique à l’oreille et puis un oncle, vaguement guitariste.

En 1949, il a 15 ans lorsque son père l’envoie en France, pour faire des études. Après vingt et un jours de traversée, il débarque à Marseille, avant de rejoindre sa famille d’accueil à Saint-Calais (Sarthe). Au milieu de ses bagages, il y a trois kilos de café qui paieront à ses hôtes son premier mois de pension. Manu Dibango aimait raconter cette anecdote qui lui inspirera le titre de sa première autobiographie, écrite en collaboration avec Danielle Rouard, Trois kilos de café (Lieu commun, 1989) – une seconde paraîtra en 2013, chez L’Archipel, Balade en saxo, dans les coulisses de ma vie.

Après le collège à Saint-Calais, il fréquente le lycée de Chartres, où il apprend le piano avec un des enseignants. C’est pour lui l’âge des premières cigarettes et surtout la découverte du jazz, grâce à un compatriote de quatre ans son aîné, rencontré en colonie de vacances, à Saint-Germain-en-Laye, Francis Bebey (1929-2001), lui aussi futur musicien camerounais notoire. Celui-ci lui fait aimer Duke Ellington. Ils créent ensemble un trio dans lequel Dibango tient mandoline et piano.

Installation à Léopoldville

Au début des années 1950, Dibango découvre le saxophone alto, son futur identifiant. L’année de son bac, préparé (plus ou moins) à Reims, il file à Paris pendant les vacances, y passe ses nuits à fréquenter caves et cabarets où frétille le jazz. Il ne pense pas encore faire de la musique un métier mais son échec au bac va ouvrir le chemin.

Quand son père lui coupe les vivres, en 1956, il part à Bruxelles. Embauché au Tabou, un cabaret à la mode, il y séduit un mannequin, Marie-Josée dite « Coco », qui deviendra sa femme. Puis il tourne à travers la Belgique avant de prendre la direction de l’orchestre d’une boîte bruxelloise, Les Anges noirs.

Un jour y passe Joseph Kabasele, dit « Grand Kallé » (1930-1983), l’un des ténors de la rumba congolaise. Il est le créateur d’Indépendance cha cha, l’hymne des indépendances africaines et le premier tube panafricain, composé à Bruxelles, en 1960, au moment de la table ronde réunissant les dirigeants politiques congolais et les autorités belges. « Grand Kallé » embauche Manu Dibango comme saxophoniste dans son orchestre African Jazz, lui fait enregistrer avec lui et son groupe une quarantaine de titres dans un studio à Bruxelles, puis l’emmène en Afrique.

Dibango s’installe avec sa femme à Léopoldville (future Kinshasa) où il ouvre son propre club, le Tam-Tam. En 1962, il débute une carrière discographique sous son nom en gravant des 45-tours à Léopoldville ou Bruxelles, dont le fameux Twist à Léo (Léo pour Léopoldville), un de ses premiers succès.

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Après une courte période de retour au Cameroun où il ouvre un second Tam-Tam, le musicien retourne s’installer en France, y collabore avec Dick Rivers, Nino Ferrer – dont il devient le chef d’orchestre –, Mike Brant… tout en continuant à enregistrer des 45-tours. Après un premier album, Saxy Party, constitué de reprises et de compositions, l’année 1972 marque le départ d’une nouvelle vie.

Triomphe à l’Olympia

Outre la parution d’African Voodoo (réédité en vinyle en 2019, sur Hot Casa Records), réunissant des enregistrements à l’origine destinés à servir de musiques d’illustration pour la publicité, la télévision et le cinéma, pour lequel il composera plusieurs bandes originales au fil de sa carrière, 1972 est surtout l’année de Soul Makossa. Un titre que son auteur pensait anecdotique, relégué sur la face B d’un 45-tours, au verso de l’hymne que Dibango avait composé pour soutenir l’équipe du Cameroun, pays qui accueillait la 8e Coupe d’Afrique des nations de football.

Inclus dans l’album O BosoSoul Makossa se vendra à des millions d’exemplaires à travers le monde. Le tube sera « emprunté », sans autorisation, par Michael Jackson pour Wanna Be Startin’ Somethin’ sur l’album Thriller (1982). Il sera encore cité par Rihanna dans Don’t Stop the Music (2007) et par Jennifer Lopez dans le clip de Feelin’ So Good (2012).

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Soul Makossa permet à Manu Dibango de triompher à l’Olympia en 1973, tout en lui ouvrant les pistes de danse africaines et les ondes aux Etats-Unis. Le DJ new-yorkais David Mancuso, organisateur des soirées disco du Loft, avait craqué pour ce groove d’une efficacité redoutable.

Manu Dibango est invité dans la foulée au prestigieux Apollo Theater, à Harlem, puis par le Fania All Stars, qui réunit le gotha d’une salsa en pleine ébullition à New York. « A l’époque, racontera-t-il, chacun revendiquait les racines africaines dans le Black et le Spanish Harlem. Les Fania All Stars m’ont demandé de tourner avec eux. J’étais le seul Africain de la bande, j’apparaissais donc un peu comme un symbole. »

Avec le Fania, Dibango se produit au Madison Square Garden, au Yankee Stadium, tourne en Amérique latine. Après cette aventure, il jette l’ancre à Abidjan, en Côte d’Ivoire, pendant quatre ans pour y diriger l’Orchestre de la Radio-télévision ivoirienne. Viendront ensuite l’envie de toucher au reggae, à la musique cubaine, aux sons urbains dans l’air du temps (hip-hop, électro), sans jamais oublier le jazz, fil rouge au long de ces déambulations musicales.

Nommé artiste de l’Unesco pour la paix en 2004, Manu Dibango a souvent mis sa notoriété au service de combats : lutte contre la faim dans le monde (Tam-Tam pour l’Ethiopie), libération de Nelson Mandela et liberté d’expression, réchauffement climatique. Son métier de musicien le mettait toujours autant en joie et il était occupé à préparer un projet autour du balafon. « Je suis passionné et curieux », résumait-il, pour indiquer que raccrocher n’était pas à l’ordre du jour pour lui.

La carrière de Manu Dibango en quelques dates

12 décembre 1933 : Naissance à Douala (Cameroun).

1949 : Arrivée en France.

1972 : Premier album, « O Boso ».

1972 : « Soul Makossa » qui entre l’année suivante dans les classements américains.

1989 : Parution de « Trois kilos de café », sa première autobiographie.

2014 : Dernier album, « Balade en Saxo ».

2019 : Tournée des soixante ans de carrière.

24 mars 2020 : Mort à Paris.

LEMONDE.FR



La NBA et le monde du sport sont sous le choc : un des plus grands champions de l’histoire du basket Kobe Bryant, légende des Los Angeles Lakers, est mort dimanche à 41 ans dans un accident d’hélicoptère à Calabasas dans le sud de la Californie. D’abord annoncée par le site américain TMZ, la nouvelle a été confirmée par le gouverneur de Californie et le maire de la ville dimanche soir.

"Nous pleurons la mort tragique et prématurée d’une icône californienne et d’une légende du basket-ball, Kobe Bryant", a-t-il écrit dans un communiqué.

Le basketteur, père de quatre enfants, était à bord de son hélicoptère privé lorsque celui-ci est brusquement tombé, avant de s’enflammer. Aucune personne n’a survécu au crash. Les autorités annoncent le décès de neuf personnes dont Bryant, sa fille de 13 ans Gianna et le pilote.

"L.A. est aux côtés de la famille Bryant après la perte de Gianna, qui a péri avec son père et ses amis dans la tragédie d’aujourd’hui. Kobe aimait farouchement ses filles, et cet amour l’a inspiré à être un défenseur extraordinaire des femmes et des filles dans le sport", a-t-il tweeté.

#Update Downed aircraft is a helicopter. Flames extinguished. #Malibu deputies at crash site looking for survivors, 4200 blk Las Virgenes Rd #Calabasas #LASD pic.twitter.com/eixLhGhLyE

— LA County Sheriffs (@LASDHQ) January 26, 2020

Kobe Bryant was killed Sunday when the helicopter he was traveling in crashed and burst into flames Sunday morning amid foggy conditions in the hills above Calabasas. https://t.co/Y4KZJXrObL

— Los Angeles Times (@latimes) January 26, 2020

Quelques minutes après l’annonce de la mort de Bryant, NBA TV a bouleversé ses programmes pour déjà évoquer sa mémoire et, contrairement au match Denver-Houston qui se jouera bien, le maintien de sept autres rencontres du jour est devenu très hypothétique, en attendant la redoutée confirmation.

"Seize équipes sont en lice aujourd’hui, tous leurs joueurs ont grandi en rêvant de devenir un jour comme lui, ou comme Michael Jordan avant lui. On parle de cette génération de joueurs marqués par cette icône qui semble être partie trop tôt. C’est difficile", a estimé l’ancien entraîneur Stan Van Gundy sur la chaîne officielle de l’instance.

Sur le plateau, son ancien coéquipier Brian Shaw qui avait remporté avec lui le triplé (2001, 2002, 2003) peinait à retenir ses larmes.

Sur les réseaux sociaux, le tsunami d’émotion n’a fait que commencer.

"Non s’il vous plaît ! Ça ne peut pas être vrai !", a tweeté Luka Doncic des Dallas Mavericks.

Collectionneur de records

"(Son épouse) Janet et moi n’avons pas les mots pour décrire le choc et la tristesse que nous ressentons après la mort accidentelle de Kobe Bryant. Prières pour sa famille et lui", a écrit le plus grand hockeyeur de tous les temps Wayne Gretzky.

Celui qu’on surnommait "Black Mamba" était l’un des sept joueurs à avoir inscrit plus de 30.000 points en carrière et une des idoles de LeBron James, qui l’a dépassé samedi à la 3e place du classement des meilleurs marqueurs de la NBA, lors de la défaite des Lakers à Philadelphie.

"Kobe était immortel offensivement du fait de son aptitude (à beaucoup marquer). Et me voilà ici à Philadelphie, portant le (même) maillot des Lakers. L’univers provoque parfois de ces choses… Ce n’est pas censé avoir un sens, mais voilà, cela arrive tout simplement", avait déclaré samedi soir LBJ, ému, après la rencontre jouée dans la ville de Pennsylvannie où Bryant a vu le jour le 23 août 1978.

Retraité des parquets depuis 2016 après vingt saisons à tutoyer les cimes du basket mondial comme peu l’ont fait avant lui, Bryant est le seul à avoir ses deux maillots, aux numéros 8 et 24, accrochés au plafond du Staples Center, en compagnie des autres légendes de la franchise, tels Magic Johnson, Kareem Abdul Jabbar ou encore Shaquille O’Neal.

Le décès de celui qui a également glané deux médailles d’or olympiques en 2008 et 2012 avec Team USA, intervient 25 jours après la mort de David Stern, l’ancien "commissionner" de la NBA qui l’avait fait prospérer et devenir une marque mondiale. Et qui avait compris que le basket américain deviendrait populaire comme jamais, grâce à des génies comme Kobe.

 

A Propos

 


IPHAME.

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